京剧
京剧是我国传统戏曲中最优秀的剧种。京剧产生在清朝中叶，有200年左右的历史，它吸收了许多地方戏的精华，又受到了北京地区的语言和风俗习惯影响，逐渐形成了在我国最有影响的剧种。京剧虽然诞生在北京，但它不是北京的地方戏，全国各地都有演出京剧的剧团。
京剧的表演形式很有特色，它既不同于歌剧，也不同于舞剧，更不同于话剧，而是一种唱、念、做、打并重的艺术。京剧的唱，有一定的腔调，能表达出剧中人物的各种感情。京剧的念，是剧中角色除了唱以外说的话。京剧的做，是动作和表情的表演。京剧的打，是用舞蹈化的武术表演的搏斗。在长期的发展过程中，京剧形成了一套虚拟表演动作，比如：一条桨可以代表一只船，一条马鞭可以代表一匹马，演员不需要任何布景和道具，能表现出上楼、下楼、开门、关门等动作。这些动作经过了夸张，但是能给观众既真实又优美的感觉。京剧把这些表演手段组织成一个和谐的整体，演员一上台，通过唱、念、做、打，就能把剧中人物的身份、处境、思想、感情以及故事发生的时间、地点都表现出来。
京剧演员分生、旦、净、丑四个行当。“生”所扮演的是男性人物，根据角色年龄、身份、性格的不同，又分老生、小生和武生。著名的老生演员有马连良、周信芳、马长礼等，著名的小生演员有叶盛兰、姜妙香、俞振飞等；著名的武生演员有盖叫天、李少春等。“旦”扮演的都是女性人物，又分青衣、花旦、老旦、小旦、武旦、刀马旦等。著名的旦角演员有20世纪20年代出现的“四大名旦”：梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生等。“净”扮演的是性格豪爽的男性，特征是要勾画成花脸，所以也叫“花脸”，著名的花脸演员有裘盛戎、袁世海等。“丑”扮演的是一些活泼、幽默、机智的男性人物，有时也演阴险狡猾的角色，又叫“小花脸”，有名的丑角演员有萧长华、马富禄等。
京剧的化妆也很有特点，“生”“旦”的“描眉”、“吊眉”、“画眼圈”对面部表情很有帮助。“净”“丑”的化妆要根据京剧的脸谱勾画，目的是为了表现人物的性格，比如：忠勇的人要画红脸，奸诈的人要画白脸。
越剧
越剧是我国除京剧之外的第二大剧种，亦有“全国第二大剧种”之称。
越剧主要流行于浙江、上海以及其他省市。它是在清代浙江嵊县一带的山歌小调的基础上吸收余姚滩黄、绍剧等剧种的剧目、曲调、表演艺术而初步形成的。当时称为“小歌班”或“的笃班”。1916年在上海演出，称“绍兴文戏”。20世纪30年代又发展成全部由女性演员演出的“女子绍兴文戏”。抗日战争时期在浙东敌后根据地曾加以改革，受到话剧、昆剧的影响。
1942年10月著名越剧表演艺术家袁雪芬对传统越剧进行了全面的改革，称为“新越剧”。新越剧改变了以往“小歌班”明快、跳跃的主腔“四工腔”，一变为哀婉舒缓的唱腔曲调，即“尺调腔”和“弦下腔”，把越剧唱腔艺术推进到一个新的阶段。越剧的所有流派都是在“尺调腔”和“弦下腔”的基础上发展并丰富起来的。后来这两种曲调成为越剧的主腔，并在此基础上，逐渐形成了各自的流派唱腔。
越剧音韵优美，委婉动听，表演细腻，感情丰富，主要曲调有四工调、尺调、弦下调等。著名演员有袁雪芬、王文娟、徐玉兰等。著名剧目有《梁山伯与祝英台》、《红楼梦》、《祥林嫂》等。
豫剧
豫剧，旧称河南梆子。因河南简称“豫”，故称豫剧。
豫剧流行于河南及北方诸省，是明代秦腔、蒲州梆子先后传入河南地区同当地民歌小调结合形成的。以梆子按节拍，节奏鲜明，主要流派分为豫东调与豫西调。豫东调因受其邻近的兄弟剧种山东梆子的唱腔的影响，男声高亢激越，女声活泼跳荡，擅长表现喜剧风格的剧目。豫西调因遗留了部分秦腔的韵味，男声苍凉、悲壮，女声低回婉转，擅长表现悲剧风格的剧目。
豫剧乐队的文场主奏乐器，早期为大弦（八角月琴，演奏员兼吹唢呐）、二弦（竹或木质琴筒蒙桐木面的高音小板胡）和三弦（拨弹乐器）。20世纪30年代，引进了板胡，大弦、二弦逐渐弃置，改用中音板胡（俗称“瓢”）为主弦。20世纪50年代以后，一般的文场中逐渐增添了二胡、琵琶、竹笛、笙、大提琴等，有的还增加了坠胡、古筝等，亦有增加小提琴、中提琴及西洋铜管、木管乐器的，组成中西混合乐队。豫剧文场中的传统伴奏曲牌有300多个，其中唢呐曲牌130多个，横笛曲牌20多个，丝弦曲牌170多个。
著名豫剧演员有常香玉、牛得草等，代表剧目有《穆桂英挂帅》、《拷红》、《七品芝麻官》、《花木兰》、《朝阳沟》等。
黄梅戏
黄梅戏，旧称黄梅调或采茶戏，与京剧、评剧、越剧、豫剧并称为中国五大剧种。它发源于湖北、安徽、江西三省交界处的黄梅县的多云山，与鄂东和赣东北的采茶戏同出一源。清道光前后，产生和流传于皖、鄂、赣三省间的黄梅采茶调、江西调、桐城调、凤阳歌，受戏曲青阳腔、徽调的影响，与莲湘、高跷、旱船等民间艺术相结合，逐渐形成了一些小戏。经过一段时间的发展，又在吸收“罗汉桩”、青阳腔、徽调的演出内容和表演形式的基础上，产生了故事完整的本戏。在从小戏过渡到本戏的过程中，曾出现过一种被老艺人称之为“串戏”的表演形式。所谓“串戏”是指那些各自独立而又彼此关连的一组小戏。这些小戏有的以事“串”，有的则以人“串””。“串戏”的情节比小戏丰富，出场的人物也突破了小丑、小旦、小生的三小范围。其中一些年龄大的剧中人物需要用正旦、老生、老丑来扮演。这就为本戏的产生创造了条件。在1921年出版的《宿松县志》中，第一次正式提出“黄梅戏”这个名称。
黄梅戏唱腔委婉清新，分花腔和平词两大类。花腔以演小戏为主，富有浓厚的生活气息和民歌风味。代表唱段主要有“夫妻观灯”、“蓝桥会”、“打猪草”等；平词是正本戏中最主要的唱腔，常用于大段叙述、抒情，听起来委婉悠扬，代表唱段主要有“梁祝”、“天仙配”等。现代黄梅戏在音乐方面增强了“平词”类唱腔的表现力，常用于大段抒情、叙事，是正本戏的主要唱腔；突破了某些“花腔”专戏专用的限制，吸收民歌和其他音乐成分，创造了与传统唱腔相协调的新腔。黄梅戏以高胡为主要伴奏乐器，加以其他民族乐器和锣鼓配合，适合于表现多种题材的剧目。
著名演员有严凤英、王少舫、马兰等，演出的传统剧目有《天仙配》、《女驸马》、《牛郎织女》等。
评剧
评剧流行于北京、天津和华北、东北一带，早期叫“蹦蹦戏”、“落子”，起源于清末，基于河北的曲艺莲花落，吸收河北梆子、京剧、滦州皮影的剧目、音乐和表演方法，是在对口莲花落、唐山落子、奉天落子上发展而成。
评剧的艺术特点是：以唱工见长，吐字清楚，唱词浅显易懂，演唱明白如诉，表演生活气息浓厚，有亲切的民间味道。它的形式活泼、自由，最善于表现当代人民生活，因此城市和乡村都有大量观众。评剧唱腔是板腔体，有慢板、二六板、垛板和散板等多种板式。时至今日，评剧音乐、唱腔、表演的革新取得显著成就，特别是改变了男角唱腔过于贫乏的弊病，男声唱腔有了新的创造。
评剧著名演员有小白玉霜、新凤霞等，代表剧目有《秦香莲》、《小女婿》、《刘巧儿》等。
吕剧
吕剧是山东省地方戏曲剧种之一，曾名“化装扬琴”、“琴戏”，系由民间说唱艺术“山东琴书”发展演变而来。起源于山东以北黄河三角洲，流行于山东和江苏、安徽部分地区。
吕剧唱腔以板腔体为主，兼唱曲牌。曲调简单朴实、优美动听、灵活顺口、易学易唱。基本板式有“四平”、“二板”、“娃娃”三种。吕剧的伴奏乐器配置分文场和武场。文场主要乐器是坠琴、扬琴，其次为二胡、三弦、琵琶、笛子、唢呐等，可视剧情酌情增减。随着革新，又增加了一些西洋管弦乐器。伴奏多采用“学舌”（对位）形式。如二板伴奏模仿唱腔一句，四平伴奏模仿唱腔的下半句或尾腔。武场伴奏乐器主要有皮鼓、板、大锣、小锣、大铙钹、堂鼓、打鼓等。
吕剧的演唱方法，男女腔均用真声为主，个别高音之处则采用真假声结合的方法处理，听起来自然流畅。吕剧的唱腔讲究以字设腔，以情带声，吐字清晰、口语自然。润腔时常用滑音、颤音、装饰音，与主要伴奏乐器坠琴的柔音、颤音、打音、泛音相结合，以及上下倒把所自然带出的过渡音、装饰音浑然一体，使整个唱腔优美顺畅。
粤剧
粤剧的历史可追溯到明朝中叶。明中叶弋阳腔、昆腔等外来剧种传入广东。到了清朝，徽调、汉调以及梆子等戏又相继流入，使得广东各种声腔聚集。这些声腔互相影响、渗透，又吸取了珠江三角洲的民间音乐，逐渐形成了新兴的本地剧种。辛亥革命时期，又对其语言、演唱方式、剧本等进行了改良。以后粤剧又从话剧、西方电影、音乐、时代歌曲中吸取经验，进一步发展，逐渐形成了“省港大班”和“落乡班”（也作“过山班”），前者进入大城市剧场演出，创作部门齐全，声势浩大；后者流行于乡镇，保持古朴风貌。后这两大派别互相交流、借鉴，逐步形成了目前的粤剧。
粤剧的主要声腔为梆子和二黄，在其发展中，二黄的比重逐步增大。粤剧伴奏在民乐基础上吸收了西洋乐器，尤其是爵士乐乐器，如电吉他、爵士鼓、小提琴、萨克斯、弱音小号等。
粤剧的剧目传统与现代并存，并将不少话剧、优秀电影作品改编成新戏。著名演员有马师曾、红线女等。剧目有《胡不归》、《白金龙》、《搜书院》、《关汉卿》、《平贵别窑》、《水勇英烈传》、《李香君》、《牡丹亭》等。
昆曲
昆曲形成的历史，可谓源远流长，它起源于元朝末年的昆山地区，至今已有600多年的历史。宋、元以来，我国戏曲有南、北之分，南曲在不同地方唱法也不一样。元末，顾坚等人把流行于昆山一带的南曲原有腔调加以整理和改进，称之为“昆山腔”，为昆曲之雏形。
明朝嘉靖年间，杰出的戏曲音乐家魏良辅对昆山腔的声律和唱法进行了改革创新，吸取了海盐腔、弋阳腔等南曲的长处，发挥昆山腔自身流丽悠远的特点，又吸收了北曲结构严谨的特点，运用北曲的演唱方法，以笛、箫、笙、琵琶的伴奏乐器，造就了一种细腻优雅，集南北曲优点于一体的“水磨调”，通称昆曲。
清代昆曲（流行于江苏一带）经过几代文人的加工整理，吸取了海蓝腔、弋阳腔和当地民间曲调后更加丰富，曲调舒徐婉转；伴奏乐器有笛、萧、笙、琵琶、鼓板、锣等；剧本主要是传奇性的；表演注重动作优美、舞蹈性强，形成了特有的风格；在舞台艺术上继承了古代民族戏曲表演经验，创造了完整的民族戏曲表演体系。
川剧
明末清初，高腔、昆腔、胡琴腔、弹腔以及四川民间花灯戏经常同台演出，渐渐互相借鉴、融合，逐渐改用四川方言演唱，形成统一的演唱风格，川剧由此产生。当时叫“川戏”，后改称“川剧”。
川剧的声腔也因此分为昆、高、胡、弹、灯五种，并各有特色。川剧的演唱风格朴实优美，风趣自然，深受观众喜爱。
川剧常用的伴奏乐器有小鼓、堂鼓、大锣、大钹、小锣、弦乐、唢呐等，由小鼓统一指挥。
川剧的行当分生、旦、净、末、丑、杂六大类，并有更细的划分。
在长期的发展中，川剧以流行地区的不同而分为川西、资阳河、川北、川东四大派别。
在表演上，川剧脸谱的“变脸”有其独到之处，为其他的剧种所少见。
川剧的剧目十分丰富，传有“唐三千、宋八百、数不完的三列国”之说。新中国成立后又编写了不少优秀的新剧目。
秦腔
秦腔是我国古老剧种之一，流行于陕西及邻近各省，明中叶以前在陕甘一带民歌基础上形成。发展过程中受昆腔、弋阳腔、青阳腔的影响。音调激越高亢，以梆子按节拍，节奏鲜明，唱句基本为七字句，音乐为板腔体。明末清初传入南北各地，对许多剧种产生影响，成为梆子腔（乱弹）体系中的代表剧种。
秦腔以西安乱弹为主，又有同州梆子（东路秦腔）、西府秦腔（西路梆子）和汉调桄桄（南路秦腔）、中路秦腔等支派。
秦腔唱腔分欢音、苦音两种，前者表现欢快、喜悦情绪，后者抒发悲愤、凄凉情感。板式有慢板、二六、代板、起板、尖板、滚板及花腔，其中拖腔尤富特色。主奏乐器为板胡，发音尖细而清脆。秦腔的表演朴实、粗犷、豪放，富有夸张性，“唱戏吼起来”被誉为关中八大怪之一。角色行当分为四生（老生、须生、小生、幼生）、六旦（老旦、正旦、小旦、花旦、武旦、媒旦）、二净（大净、毛净）、一丑，计十三门，又称“十三头网子”。
秦腔优秀剧目有《血泪仇》、《三滴血》、《赵氏孤儿》等。
河北梆子
河北梆子是至今仍然活跃在舞台上的古老戏曲剧种之一，至今约有200多年历史。它源于山西、陕西的梆子腔，属梆子腔系的一个支脉，流行于河北省南部、天津和北京。河北梆子唱腔集三地的民风音韵为一体，曲调高亢激昂，有“燕赵多慷慨悲歌之士”的风范，适合演唱悲壮内容的戏剧。
历史上，河北梆子曾有过“直隶梆子”、“京梆子”、“卫梆子”等几种名称，但这些名称只是不同阶段的称呼，非是指派别。河北梆子进入第二个阶段———“卫梆子”之后，形成了固定的唱腔体系，然后在三个地区中依自身的条件继续发展。
著名的河北梆子大师裴艳玲的演出曾轰动香港和新加坡，尤其是她饰演的钟馗，形神兼备唱腔高亢，突出地表现了钟馗因为貌丑落第的无奈心情。和河北梆子的风格完全不同，河南梆子曲调诙谐有趣，适合演轻松的喜剧。
皮影戏
皮影戏又名“灯影子”，是我国民间一种古老而奇特的戏曲艺术，在关中地区很为流行。皮影戏演出简便，表演领域广阔，演技细腻，活跃于广大农村，深受农民的欢迎。
皮影的制作十分精细，影子选料讲究，用上好的驴皮或牛皮在水中泡软后，经过泡制，使其光滑透明，然后精心雕刻，涂上艳丽的色彩。人物、动物等均刻成侧影，干透后刷上桐油。四肢、头部可动，用细长的木棍牵制表演。演出时，用一块白纱布作屏幕（屏幕大小根据场地而定，基本像小电影的银幕），操作皮影者站在屏幕下，把皮影贴到屏幕上，灯光从背后打出，观众坐在相对灯光方向观看。
皮影戏以秦腔为主，演唱者和操纵者配合默契。表演技术娴熟的，关中人称其为“把式”，一手拿两个甚至三个皮影，厮杀、对打，套路不乱，令人眼花缭乱。皮影戏的传统剧目有《游西湖》、《哪吒闹海》、《古城会》、《会阵招亲》等。
木偶戏
木偶戏是由演员在幕后操纵木制玩偶进行表演的戏剧形式。在我国古代又称傀儡戏。根据木偶的结构和演员操纵方式等方面的差异，又可分为不同的种类。
提线木偶在木偶的重要关节部位如头、背、腹、手臂、手掌、脚趾等，各缀丝线，演员拉动丝线以操纵木偶的动作，又称线偶或线戏，也叫悬丝木偶。
托棍木偶又称杖头木偶，在木偶头部及双手部位各装操纵杆，头部为主杆，双手为侧杆，演员操纵时左手持主杆，右手持侧杆，举起木偶操纵其动作。
手套木偶，又称掌中木偶、布袋戏等，偶人身高0.27米或0.40米，头部中空，颈下缝合布内袋连缀四肢，外着服装，演员的手掌伸入布内袋作为偶人躯干，五指分别撑起头部及左右臂，相互协调操纵偶人作各种动作，偶人双脚可用另一手拨动，或任其自然摆动。
我国木偶戏历史悠久，三国时已有偶人可进行杂技表演，隋代则开始用偶人表演故事。在印度、希腊等文化古国，木偶戏已有2000多年的历史。在欧洲、北美、非洲和亚洲的很多国家，很早就有专业性的木偶剧团。在进入20世纪以后，木偶戏的演出形式日趋丰富多彩，如3个种类的综合演出，演员由幕后操纵转入前台，真人与木偶同台演出。演出剧目也日益丰富。20世纪30年代以后，木偶戏已进入电影和电视。在中国、俄国、捷克、斯洛伐克、保加利亚、法国、日本等国，都有著名的木偶艺术家。1929年，国际木偶协会成立，到20世纪80年代，其成员已有50多个国家，由它举办的国际木偶艺术节，乃是木偶艺术界的国际盛会。
藏戏
藏戏是一个非常庞大的剧种系统，由于青藏高原各地自然条件、生活习俗、文化传统、方言语音的不同，它拥有众多的艺术品种和流派。西藏藏戏是藏戏艺术的母体，它通过来西藏宗寺深造的僧侣和朝圣的群众远播青海、甘肃、四川、云南四省的藏语地区，形成青海的黄南藏戏、甘肃的甘南藏戏、四川的色达藏戏等分支。印度、不丹等国的藏族聚居地也有藏戏流传。
藏戏是以民间歌舞形式，表现故事内容的综合性表演艺术。从15世纪起，噶举教派僧人唐东杰布立志在雪域各条江河建造桥梁，为众生谋利。他煞费苦心，募筹造桥经费，虽经三年多的努力，尚未成功。后来，他发现虔诚信徒中有生得俊俏聪明、能歌善舞的七姊妹，便召来组成戏班子，以佛教故事为内容，自编自导成具有简单故事情节的歌舞剧，到各地演出，以化导人众、募集经费。这就是藏戏的雏形。经过很多民间艺人的加工、充实、丰富和提高，藏戏早已不是最初的模样了。
各个地区的戏班，由于历史、地理、语言、风格、造诣的差别，形成了具有不同风格的流派。
藏戏的传统剧目不少，但在二三百年的创作、演出实践中，有的被淘汰了，有的经过再创作再提炼，保留了下来。现在，藏戏的主要剧目有8个：《文成公主和尼泊尔公主》、《朗萨唯蚌》、《苏吉尼玛》、《卓娃桑姆》、《诺桑法王》、《白马文巴》、《顿月顿珠》、《赤美滚丹》。当然，还有其他一些剧目，不过这8个戏是大多数剧团都演出过的、公认保留的剧目而已。
傩戏
傩戏是在傩舞的基础之上发展形成的戏剧形式，流行于四川，贵州，安徽贵池、青阳一带以及湖北西部山区。傩戏表演的主要特点是角色都戴木制假面，扮做鬼神歌舞，表现神的身世事迹。
由于历史背景和所接受的艺术影响不同，傩戏分为傩堂戏、地戏、阳戏三种。地戏是由明初“调北征南”留守在云南、贵州屯田戍边将士的后裔屯堡人为祭祀祖先而演出的一种傩戏，没有民间生活戏和才子佳人戏，所演都是反映历史故事的武打戏。而阳戏则恰恰相反，它是法师在作完法事后演给活人看的，故演出以反映民间生活的小戏为主，所唱腔调亦多吸收自花鼓、花灯等民间小戏。
傩戏的演出剧目有《孟姜女》、《庞氏女》、《龙王女》、《桃源洞神》、《梁山土地》等，此外还有一些取材于《目连传》、《三国演义》、《西游记》故事的剧目。
