（3）掌握自身在画面内所占的空间位置。画面构成时演员应站在画面空间的偏左还是偏右，是靠镜头前一些，还是离镜头远一些，都需要演员进行表演前弄清楚。
无论站、坐、卧、走、跑等，演员都要注意动作的方向及视线方向。如群架中，突然警察来到，画面中无论有多少演员，都必须往同一方向看警察。准确的视线方向是为下一个镜头及整体段落的组合做好合理、流畅的衔接准备。
（4）演员的动作幅度及演员与对手的调度都可在此景别别中得到充分的发挥和展现。在此景别练习中要尽量找到适合形体表现及演员灵活调度的叙事情节来做。
3.中景
中景景别是影视片中最多用也是最常见的景别。
中景景别的画面构成是取表现人物的大半身或者膝关节以上的身体部分，这一景别主要表现人物的上半身（腰部以上、脸部）的行为动作。
中景景别的画面在景别间的排列、组合，与大全景、全景、近景、特写之间的衔接都相当的舒服、流畅、和谐，属于过渡性的景别，在景别间的连接中起着承上启下的作用。
从视觉感受的角度看此景别既考虑了部分环境的展示，又可表现人物形体关系、人物情绪的交流及人物与人物之间的关系，尤其是外反拍镜头画面处理上，构图、角度选择都应十分恰当地体现中景景别的特性。
中景景别是大多数演员比较喜欢的景别，在这种景别中演员既可以较好地发挥自己的形体表现，又能同时表现人物间细微的关系以及心理动态。它还比较贴近人的真实感，看起来平和而不夸张，尤其在表演中演员可以自然生活化地表现一切。
拍摄中常遇到的画面组成。
（1）外反拍镜头，通常也叫挂肩镜头，即两人对话时，一个人的后背作为镜头的前景，另一个演员则面对镜头，角度1中A为背，B则面对镜头）。
（2）垂直角度的中性镜头，演员各自为侧面，占画面左右两边。
中景景别是演员最常碰到的镜头，也是最不能忽视的镜头。那么演员应该在表演时注意哪些问题呢？
（1）这类景别具有一定的叙事作用，多以台词为主，因此在表演时要注意表演及情绪的连续性。
在连续台词叙述中可配合适当的形体动作（比如手、头的动作）以展示或体现人物的性格、心情等，但动作不要过大，尽量以生活化、自然的表演为最佳。
台词一定要生活化，切忌舞台读词的感觉。笑、哭都要真实地体现出来，不可以假笑、假哭。人物行动要合理，动作要清晰连贯，不可以没有根据地转身、坐下、站起或完全情绪化地乱走乱动。
（2）注意表演层次的变化。所谓的层次是指在听别人说话或自己说话时，要真实地听和真实地讲。在听、讲过程中情绪的变化，要有真实的反应过程，不能一惊一乍地虚假反应，尤其是与对方交流时要注意你的接受、判断、反应等准确的人物心理过程，尽可能表现出自然、准确、细腻、流畅的心理流程。
在外反拍互换的过程中，有时你的肩膀要作为镜头的前景，此时你在配合另一位演员对话，要保持情绪连贯。这不仅是演员良好艺德的体现，也是其保持情绪连贯的最佳途径。
有时从一些影视片中会看到，在这样的景别中一些演员的虚假表演，如在外反拍镜头对着他的时候他充满激情地诉说，但当镜头带过他肩膀拍摄对方时，原本因激情而耸动的肩膀突然一动不动了，保持人物情绪的连贯对一个肩膀也不能忽视，演员要时刻提醒自己———真实是塑造影视人物的根本。
（3）当光线或背景变化时，镜头的角度及位置就要调整，演员应当尽快适应变化的光线，并调整至适当的视点。
比如黄昏时拍摄，也许光线最好时拍摄的是其他演员，为保证效果，摄影师会不断地调整机器的位置与角度，寻找最合适的角度拍摄。此时，演员应该知道的是，在抢拍你的一面时，因为光线不够而可能会采取多种人工灯光的办法，或多块反光板同时应用的情况下，你要尽快适应一切。
当然，还有很重要的一点就是，机位的稍许调整都会带来演员表演时视线的变化，在正面拍摄时你可能看的是某一定位物，当换位以后你的视点就必须重新设定。最好办法是听从摄影师的安排，他给出视点一般是不会错的。
（4）动作中的衔接，也叫接戏、接动作，还叫动接动，主要指演员在位置互换时，动作与动作之间的衔接。
前文已讲过外反拍中的人物之间的镜头互换，这里所指的是人物互换时的动作处理，主要是在这类景别的中的上肢动作，包括手势、头部转动、道具的运用等。
比如，正面镜头时演员左手手指夹着点燃的香烟，而镜头位置互换时（即我们经常讲的反打镜头）香烟不见了，或者香烟燃烧的长度不一样了，或变为右手了，等等。这在影视拍摄中就叫做动作或道具（戏用道具）不接戏。
在练习时，演员可选择两个相连的镜头练习，注意前一组镜头的尾部动作，后一组镜头的开始就要准确衔接前一组镜头的尾部，要反复练习，直至熟练。在实训环节中，应让学生在镜前实际演练，以便正确掌握其要领和特性。
4.近景及特写
此类景别的画面构图主要是取表现人物胸部以上的部位，画面重点展示的是人物的眼睛、面部表情及面部情绪反应。由于景别自身的特性及所采用的技术处理手段，近景景别画面所展示的环境空间是被淡化的环境，背景整体被推向后景，而人物的面部表情、情绪变化、心理状态、反应以及胸部以上形体的细微动作变化则成为最重要突出的表现内容。画面表现主体以外的如前景、后景、光线的明暗对比关系、色彩倾向等造型因素在画面中则处于一种光斑、色斑（色块）的虚化状态。这主要是由于此类景别所使用的镜头焦距光学特性而产生的视觉效果。
在近景景别的画面构成或表现时，结合镜前表演及此类景别的视觉表现特性重点考虑的是如何想尽一切办法通过镜头画面的视觉信息传达更为准确的人物的神态、表情，以及通过画面的处理去突出表现主体的心理活动和心理反应。演员以及现场的各个主要创作部门都应了解及强调这一点。
表现人物的近景景别画面的构成应解释为肖像画面，也可称之为肖像景别，在使用及表现此类景别画面时，在充分使用诸多视觉造型元素的基础上（如焦距的选择、光线的处理、色彩的表现、机位角度的选定和画面构图的表现，等等），首先考虑的应是根据剧情叙事和情绪节奏的需要，将演员的表演及其调度有效地控制在最佳状态。
另外，近景系列镜头的构建要考虑与整体段落的统一、和谐、有机的结合。尤为注意的是，人物的视线方向是否准确，视线角度是否准确（和对方交流时是平视、仰视还是俯视），并注意和前、后镜头之间的合理衔接关系。还应注意的是，演员的镜前表演是否到位，情绪的把握与控制是否准确等。
近景景别是表演者最不可以掉以轻心的，主要因为近景景别的表演太细微了，一切的心理活动及想法都会从人物的表情中体现出来，尤其是眼神的体现。从技术上来看，景别画面所展示的空间环境被严重淡化、虚化（背景空间只有小范围的流露与表现），背景环境被推到后景，表演者无论是处在内景的灯光下还是外景的日光下，其镜头的表现均如此。
而表现人物的面部表情、情绪的变化、眼睛神态的表现及心理活动，则成为最突出的、重要的表现内容。
为什么说表演者不可以轻心，不可以大意？主要是因为这类镜头在画面中的主体是以人物面部细微表现为主，也就是说你的眼睛、鼻子、眉毛、嘴巴、肌肉等一切均在镜头的严密监控下，而其他的如前景、后景、光线的明暗对比、气氛的变化、色彩倾向等众多造型元素都在镜头的画面中处在一种光斑、色块的虚化状态。
所以，近景系列镜头与中景、全景镜头有着明显的区别，在表演中最大的不同是在中、全景中演员可以充分展示形体及多种表情，受景别约束很小，而后者则是演员在镜前表演最受束缚的景别系列。
掌握好近景及特写的表演至关重要。这类景别重点强调演员的内心活动，在表演时，面对这类镜头必须有准确的内心活动。演员只有多练习，熟知这些镜头的表现特性，才能更好的掌握它。
（1）把握好表演分寸，内心活动准确。切不可过（过火），也不能不够（欠），尽可能做到自然、生动、准确，尤其是面部表情的控制与表现上，如紧张、表情僵化、注意力不够等，都会在镜头中得以体现。在反应镜头的处理上更要细微、精确。
无论是表现惊恐还是疑惑、得意、失意、善意等，都要做到准确，恰到好处。
（2）随着景别的变化增大（半身、近景与特写之间），演员越要控制好表情，不能失真、不能夸张，景别越大越需要较为准确表现一种情绪与反应，要尽可能的生活化，表演痕迹越少越好。
（3）近景景别也称之为肖像景别或肖像画面，拍好这类景别最好的方法就是把情绪控制在最佳状态，这主要来自心理的调整。
根据剧情叙事的需要，同时也是情绪的发展及节奏的需要，表现好人物的正确心理状态与情绪状态。有些演员很擅长或者说也很喜欢这样的镜头，他们对这样的镜头都有着丰富的经验，其经验主要来自对镜头的熟知及稳定的心理状态。放松、注意力集中和自信是拍好这类镜头的重要因素。
在诸多人物表现的情绪中，重要的是把握好近景中的表演分寸，其生动、准确、情感真实是这一景别的重要特点。
（4）要有机结合段落的整体统一与和谐。一定注意前后镜头之间、人物表演情绪上的连接。如所示，中景里甲、乙一段情绪连接。
镜头：甲看着乙哈哈大笑。
镜头：甲疑惑地看着乙笑。
镜头：甲看乙笑后说：“这事太让人高兴了！
乙的第1个和第3个镜头是分两次拍完的。这就要求乙在表演时的笑前后要一致，情绪、动作尤其面部表情要一致。
在要求情绪连接一致的同时，对表演动作及动作方向的连接也同情绪连接一样重要。如站、走、坐、抬手、伸腿等一系列动作与动作间的连接，还包括动作方向的连接，是画左走还是画右走都必须清楚明确。
（5）近景系列镜头更要求演员首先要熟读剧本，并在导演对这段戏或这场戏的表演要求及处理的前提之下，对人物在段落的心态、情绪、戏中的叙事节奏、人物的心理节奏、台词、动作、还有上下镜头情绪及动作的连接等，做到清晰、明确、熟悉，尤其是整体把握的连贯性。
（6）在室内利用人工光拍摄近景景别时，演员一定要学会合理配合现场的光线（也叫做躲光），也就是说在拍摄两个人（对持调度，面对面）及两人以上的调度镜头时，尤其是作为前景的演员要尽量不要挡住或部分挡住打在正面演员的光线（也叫做副光），如有此情况要利用人物少动的感觉做出主动调整，直至将光线打在正面演员的脸上。演员的躲光意识要在不断的实践中，并成为永久的、下意识地养成一种职业习惯。
（7）视线的准确也是演员完成近景镜头的重要要求之一。镜头视线是否准确，关系到上下镜头的衔接。
不论是平视、仰视、俯视等，演员都要心里清楚。特别是当演员一个人面对镜头表演时，假设对象位置一定要准确。有经验的演员会在假设对象位置上左右、上下灵活地去表现。但视线的感觉完全是与对方在交流。视线的准确是演员在任何镜头表现中都不能忘掉的，尤其是无对象交流时，否则会导致在下组镜头调度上的出错，以及镜头之间的衔接不和谐，严重的可能造成整场戏或某个段落的重拍。
思考与练习提示
1.镜前表演为什么要了解“景别”？研究“景别”的目的是什么？
2.影视演员在影视创作中的第一任务是什么？
3.何为镜头的“景别”？
4.在整体上划分景别有哪两种系列？分别由哪些景别组成？都有哪些表现特征？
5.请用图例说明景别的具体划分。
6.简述全景系列景别的特征。
7.做全景系列画面镜头前的表演练习时应注意哪些事项？
8.哪种景别在影视片中用得最多？
9.中景系列画面最常用的镜头有哪些？
10.做中景系列画面镜头前的表演练习时应注意哪些事项？
11.近景系列画面镜头包括哪些景别？
12.简述近景系列景别的特征。
13.近景系列景别中最突出的表现内容是什么？
14.演员在镜前表演时最受哪类系列景别的束缚？
15.如何掌握好镜头前近景及特写的表演？
