§§§第8章 哥特艺术
哥特艺术作为一种艺术风格，出现于12世纪晚期，起源于法国巴黎附近，主要体现在雕塑、建筑与绘画上，公元13世纪至15世纪盛行于西欧各地，16世纪意大利人提出“哥特”这一名词并得到广泛承认。
哥特艺术的特点集中体现在教堂建筑上，它以尖形拱门代替了罗马式的半圆形拱门，建筑物重量及引伸力集中于石柱及拱壁上，外部有许多高耸的尖塔，墙壁较薄，窗户较大，饰有彩色玻璃的图案，内部圆柱较细，光线比较充足，门前饰有许多形象生动的浮雕和石刻。哥特式教堂中每一种构造元素都很高耸、尖细，就如指向天空的利剑，仿佛屋顶直通天堂。哥特式建筑要表达的愿望是尽其所能地接近上帝。
哥特式建筑符合教会的要求，高耸的尖塔把人的目光引向虚无缥缈的天空，使人忘却今生，幻想来世。哥特式建筑后来由最初的宗教用途向世俗用途过渡，这种上升的纤细而庞大的建筑成为王公贵族们的宅第风格的一种选择。在文艺复兴开始后，哥特式建筑就逐渐式微。但是文艺复兴同样是对古代风格的一种怀旧式创新，而哥特式建筑相对而言是中世纪一种全新的风格样式。
大多数哥特式的石碑雕刻都是在大教堂外部，而不在内部。一般来说，它们特别是以修长的形体、拘谨的姿态和程式化的服饰所产生的垂直静止的效果而著称，一切动作通常是由头部的前倾后仰、左顾右盼表现出来。由于各种雕像都是定型的，所以观赏者在观看后便很容易知道雕刻的人物是谁。
最著名的哥特式建筑有巴黎圣母院、意大利米兰大教堂、德国科隆大教堂、英国威斯敏斯特大教堂等。意大利最著名的米兰大教堂是欧洲中世纪最大的教堂之一，其建造历程三十余年，是一座壮观美丽又带有哥特式风格和文艺复兴风格的建筑。而公认为“世界上最美丽的建筑之一”的圣马可广场上的总督府，也深受哥特式风格的影响。世界著名的高等学府剑桥大学也深受哥特式风格的影响。德国最早的哥特式教堂是科隆大教堂，它拥有高达152米的双塔，以壮观著称。著名的乌尔姆主教堂钟塔高达161米，是典型的德国式哥特建筑，特点是只在教堂正面建一座很高的钟塔。
夏尔特大教堂的门上的雕刻作品是早期哥特式雕刻艺术的代表。作品中的人物形体修长，立在垫座之上，头上是华盖，两臂紧贴身体，衣服的褶皱线成平行状，刻得很浅，有点像柱子上的凹槽。头部占身体的六分之一，符合当时的美学准则；表情安详，更加强了人物的神圣感。有机会参观夏尔特教堂的话，你可以注意观察一下这个建筑。
哥特式绘画的题材大都是宗教题材，而描绘世俗生活的绘画非常少见。主要有彩色玻璃镶嵌画、抄本插图、祭坛画和圣像画等，其中以镶嵌画最为突出。
§§§第9章 文艺复兴时期的艺术
西欧中世纪的艺术是以宗教为核心内容的。这种情况本来是为了挽救罗马晚期混乱、残暴、粗鄙的文化的，但是随着宗教文化的深入，中世纪艺术渐渐走上另一个极端——基督教教会建立了一套严格的等级制度，把上帝当做绝对的权威，一切艺术都得按照基督教的经典《圣经》的教义，谁都不可违背，否则，宗教法庭就要对他进行制裁，甚至处以死刑。
到了中世纪后期，人们开始要求自由的空气——至少在市场上择优选购、讨价还价、成交签约都是斟酌思量之后的自愿行为。城市繁荣，使许多富商、作坊主和银行家等更加相信个人的价值和力量，更加充满创新进取、冒险求胜的精神，多才多艺、高雅博学之士受到人们的尊重。许多西欧的学者要求恢复古希腊和古罗马的文化和艺术，文艺复兴运动由此兴起。
所谓的“复兴”，其实是一次对知识和精神的空前解放与创造，表面上是要恢复古罗马的进步思想，实际上是一批具有自由思想和才华的人要求表达自己的创新。文艺复兴运动时期诞生了很多伟大的艺术家，如被称为文学三杰的但丁、彼得拉克、薄伽丘，被称为美术三杰的达·芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗。
文艺复兴时期的建筑是公元14世纪在意大利随着文艺复兴运动而诞生的建筑风格。基于对中世纪神权至上的批判和对人道主义的肯定，建筑师希望借助古典的比例来重新塑造理想中古典社会的协调秩序，所以一般而言文艺复兴的建筑是讲究秩序和比例的，拥有严谨的立面和平面构图以及从古典建筑中继承下来的柱式系统。对建筑的比例有强烈的追求，例如必须是3和2的倍数使用对称的形状，集中式恢复“自然”，以尺规作图制图，以圆形和正方形为主反对哥特式建筑。
恩格斯曾评价文艺复兴是一次人类从来没有经历过的最伟大的、进步的变革，是一个需要巨人而且产生了巨人——在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人的时代。我们可以说，今天的欧洲文明主要源于文艺复兴时期创造的艺术。
§§§第10章 巴洛克艺术
巴洛克艺术产生于16世纪下半期，在17世纪迅速传播，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，逐渐衰落。“巴洛克”一词的原意是奇异古怪，古典主义者用它来称呼这种被认为是离经叛道的建筑风格。
巴洛克艺术最明显的特点是奢华、变化，我们回忆一下，文艺复兴时期以简单的、基本的比例和相互关系为美，而巴洛克艺术不再崇尚那种含蓄的逻辑性，而是追求令人感到意外的、如戏剧般的效果。它打破理性的宁静与和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力，是一种激情的艺术。例如，巴洛克建筑艺术的代表之作，圣彼得教堂，设计师用戏剧性的方式强调正门，由扁平的方柱变为半圆柱，再变为四分之三圆柱，使建筑的立体造型复杂多变，动态十足。他所设计凸出的门面或深凹的门面，都使得教堂和前面广场上的空间能更进一步地连接起来。
把文艺复兴时期的建筑画成平面图，其共同特点是正方形、圆形和十字形；而巴洛克建筑的典型特征是椭圆形、橄榄形以及从复杂的几何图形中变化而来的更为复杂的图形。用规则的波浪状曲线和反曲线的形式赋予建筑元素以动感的理念，是巴洛克艺术最主要的特征。
巴洛克时期雕塑中的人物不再被雕成静止或休息的姿态，而总是处于运动之中。绘画作品宏伟壮观，充满动感，精湛的透视变奏，戏剧性的构图，起伏波动，体现了无限的空间，加以理想光的对比，使画面产生统一协调如舞台布景的效果是巴洛克绘画的主要特色。
巴洛克艺术的主题仍然是宗教，如宗教画、宗教音乐等都在这个时期得到很大的发展。我们在学习具体作品时，便能体会到巴洛克风格的无穷魅力。
§§§第11章 洛可可艺术
你会不会觉得我们要讲的“洛可可艺术”这个词很有趣，“洛可可”是法语“rococo”的音译，这个词源于法语“贝壳工艺”，表示这种风格是以岩石和蚌壳装饰为特色的。
洛可可艺术紧随巴洛克风格之后，大约自路易十四1715年逝世时开始。18世纪初，欧洲贵族开始普遍使用瓷器，在这之前，人们一直是用笨重的银制餐具饮食，用大块的石头创作雕塑，而现在则是用易碎的瓷器来做餐具，也用瓷器来制作小巧玲珑的瓷塑像，从而反映这个时期的精神。
洛可可艺术并不是一种独特的、创造性的或者与巴洛克艺术截然不同的艺术风格，洛可可艺术是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧烦琐的艺术样式。
洛可可艺术风格的倡导者是蓬帕杜夫人（1721～1764年），她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份左右着当时的艺术风格。
蓬帕杜夫人原名让娜·安托瓦内特·普瓦松，出生在巴黎的一个金融投机商家庭，后成为路易十五的情人，接着成为国王的私人秘书，路易十五封她为蓬帕杜侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪太阳照耀下有盛世气象的雕刻风格被18世纪这位贵妇纤纤玉手摩挲得分外柔美了。
洛可可建筑多是花园式府邸，而非巴洛克建筑中那种雄伟的宫殿，显示出主人的华贵，却又没有王公贵族的骄矜。洛可可艺术的特点在于将极为不同的建筑思想统一在一种优雅的内在联系中。洛可可时期的建筑师可谓“大手大脚”，可以极尽夸张地设计各种浪费空间的奢华、变化的结构，并且将绘画、雕塑等艺术巧妙地熔于一炉。
§§§第12章 新古典主义艺术
新古典主义，兴起于18世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展。它一方面起于对巴洛克和洛可可艺术的反叛，另一方面希望重振古希腊、古罗马的艺术。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材上模仿古希腊、古罗马的艺术，并且对所模仿的内容也进行了较为深入的思考。
新古典主义在雕刻艺术上以浅浮雕图式表现，不同于巴洛克风格的深度雕刻，代表艺术家有卡诺瓦、魏斯特等；建筑方面最著名的就是杰弗逊设计的弗吉尼亚大学校园。
新古典主义主要体现在美术上，以复兴古希腊、古罗马艺术为旗号。所谓新古典主义，也就是相对于17世纪的古典主义而言的。因为这场新古典主义美术运动与法国大革命紧密相关，所以也有人称之为“革命的古典主义”。
这一时期的画作选择严峻的重大题材（古代历史和现实的重大事件），在艺术形式上强调理性，在构图上强调完整性，注重雕塑般的人物形象，而对色彩不够重视。
新古典主义主张音乐创作不必反映社会和政治，作曲家应该摆脱现实生活中的种种情感，而以冷静的客观性把古典均整平衡的形式用现代手法再现出来。
§§§第13章 浪漫主义艺术
浪漫主义起源于中世纪法语中的“Romance”（法语的“浪漫”一词意味着感情丰富、多愁善感）一词，“罗曼蒂克”一词也由此音译而来。浪漫主义的主要特征是能够让人感觉到自由奔放的气息，艺术家们通过幻想或复古等手段，超越现实。
虽然浪漫主义精神在很早以前就有了，但浪漫主义的兴起却发生在法国大革命解放运动高涨时期，它反映了当时的人们对个性解放的要求，不喜欢受到条条框框的约束。
浪漫主义表现在绘画方面，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材多取自现实生活、中世纪传说和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品）等，代表作品有德拉克洛瓦的《自由领导人民》。这一画作的画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。
浪漫主义音乐作曲家强烈地表现出自己的癖好，与受形式支配的古典主义格格不入。古典主义音乐像线条一样鲜明，而浪漫主义音乐则偏重色彩和感情，并含有许多主观、空想的因素。浪漫主义时期的音乐艺术家伟人迭出，今天我们知道的许多古典音乐大家，如贝多芬、莫扎特等人都是浪漫主义的代表，但同时他们也仍继续运用传统的交响曲、奏鸣曲、四重奏等形式。浪漫主义运动在内部也一直存在两个不同的流派，一个是以柏辽兹、李斯特、瓦格纳为代表的激进派，另一个是以门德尔松、勃拉姆斯、布鲁克纳为代表的保守派。
浪漫主义的理论策源地在德国，但在文学上成就最高的却是英、法两国。英国的湖畔派诗人、拜伦、雪莱、济慈、雨果都是浪漫主义文学不同时期的代表。浪漫主义思潮后来波及俄国、东欧和美国，在美国产生了梅尔维尔、惠特曼等浪漫主义大师。1848年以后，浪漫主义文学运动基本结束，但是浪漫主义思潮却并没有销声匿迹，一直持续到了今天。在后面的章节里，我们将继续学习很多浪漫主义大家的作品。
§§§第14章 现代主义艺术
19世纪80年代，法国后印象主义画家塞尚拒绝用过去极力描摹真实的自然的画法，在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感，被人们称作“现代绘画之父”。
较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家的作品中出现的。以马蒂斯为代表的一群年轻画家在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”，“野兽主义”也由此得名。
1908年，以毕加索为代表的另一群年轻画家在法国推出立体主义绘画。立体主义用块面的结构关系来分析物体，表现重叠交错的美感，是立体主义追求的目标。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中汲取了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义进入了自我确立的阶段。
第一次世界大战期间，在瑞士苏黎世出现的达达主义反对战争，反对权威和反对传统，同时也反对艺术，反对一切，这也就意味着他们反对他们自己。达达的虚无和反传统精神贯穿在整个西方现代文艺的进程中。在平面的绘画中采用拼贴手法，把偶然性、机遇性运用在美术创作中，是达达主义对现代美术的贡献。
现实主义的社团是从达达内部分化出来的。超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中汲取灵感，达到一种绝对的、超现实的境界。第二次世界大战以后曾在美国产生的抽象表现主义（又称行动绘画或纽约画派）是集表现主义、抽象主义和超现实主义大成的流派，也使重视个性、重视风格的现代派绘画到在顶峰。抽象表现主义强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性，把创作行为本身提高到重要的位置，已经孕育了以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。
很明显，到现代主义艺术繁盛至今，艺术已经不再简单的是几幅画、几首乐曲那么简单的事情，而变成复杂的、需要思考才能理解的一种主张。
