虽然还存在着一些争议，但许多人都认为雕像塑造的是罗马共和时期的第一行政长官布鲁特斯。这尊胸像面部表情严肃而坚毅，深邃的眼神和紧闭的双唇表现出领导者的自信和智慧。头像的制作十分逼真，风格明晰、纯朴，成功地揭示了人物的性格特征，展示出罗马政治上升时期人物的精神面貌。雕像加工的精细还反映了罗马人高超的金属铸造技艺。雕像的眼球是用象牙和玻璃制作的，这是当时常用的一种方法，目的是使人物显得更为真实自然。
戎装的奥古斯都
奥古斯都亦称屋大维，是罗马帝国的奠基者与第一任皇帝。
戎装的奥古斯都
他结束了公元前1世纪期间使罗马共和国陷入混乱的内战，为希腊罗马世界带来了长达两个世纪的太平盛世。
他是恺撒的外甥，后来成为了他的义子与继承人。恺撒很早就显露出对他的兴趣，并一意栽培，为他铺下了从政之路。但公元前44年恺撒被刺杀时，屋大维还只是个18岁的少年。恺撒之死为罗马留下巨大的权力真空，在众多军政人物间掀起了一场长期、激烈和复杂的权力斗争。在极端不利的处境下，屋大维展现了远超乎他年龄的谋略、冷静与意志力，经过一番权力角逐后，屋大维和他的两位劲敌——李必达和安东尼结成后三头同盟，以韶龄跻身于罗马最高统治权力圈。此后他们之间的战争持续进行，直至屋大维于公元前32年解决了李必达，翌年亚克兴战役打败安东尼与埃及克丽奥佩脱拉女王的联盟，他才成为罗马唯一的统治者。后代史学家即以此作为罗马帝国的开端。他被奉为元首（第一公民），最初以执政官身份来统治，维持共和政体。公元前27年接受“奥古斯都”封号，死后更被奉为神明。
在他的统治下，罗马帝国的范围西起伊比利半岛，东到卡帕多西亚，北及高卢，南达埃及。在位期间（公元前31—公元14年），他致力于税务结构、金融制度、军队体系等方面的改革，推进公共建设，建立了遍布帝国境内的庞大公路网与供水系统。此时罗马天下太平，经济繁荣，文学艺术昌盛。奥古斯都时代是罗马文学的黄金时代，罗马最伟大的作家维吉尔、贺拉斯和李维等人就是出现在这个时期。他开创的国内和平即罗马和平持续了约200年之久，在这个持续的和平与繁荣时期，罗马文化开枝散叶，遍及奥古斯都与其他罗马领袖所征服的领土。
罗马人的造型艺术主要来自于古希腊艺术的影响，但由于政治性质不同，在建筑、绘画和雕塑方面都形成了它独特的艺术风貌。肖像雕刻是罗马雕塑的主要成果，原因是，伊特鲁里亚人重殡葬仪式，常在死者脸上拓下蜡模，存放在灶神的龛里。每逢纪念日，即取出供奉，后来这种方法渐渐运用到雕刻上。制作肖像时要求准确表达对象的特征，这就成了雕像艺术的追求目标。至奥古斯都帝国时期，肖像雕刻已获得了高度的发展，但奥古斯都皇帝还要求仿效古希腊，他喜欢把人物形象加以理想化，故美术史上称这种风格为“奥古斯都古典主义”。这一尊普里马—波尔塔出土的大理石雕塑作品《戎装的奥古斯都》便最具有代表性。
雕像中古罗马的“奥古斯都”——屋大维左手握权杖，右手朝前高举，似在训话。脸部表情严峻，薄薄的嘴唇，性格十分鲜明。他那披着华丽的盔甲的身材显得很魁梧，甲胄上的图案寓意着罗马将统帅全球的思想。运用这种象征化手段，艺术的目的已一目了然，即在于歌颂帝王。雕像的作者未被留下姓名，看来，罗马帝政时代的艺术家是不具有这种创作权利的。
在屋大维的右脚旁边，艺术家还塑造了一个带有双翼而无眼珠的小天使丘比特形象。这个罗马神话里的小爱神为什么塑造在这里呢？无眼珠，象征他对爱情的盲目性；另一判断，据说他生性鲁莽，行动随时需要有识之士的带领。他永远长不大，含义也就在此。大多数美术史家的解释是，为要显示奥古斯都的高大，作为一种反衬，在艺术上也是可能的。
据说在雕像的大理石表面还残留着金、青、褐、黄、紫等色斑，很可能当年在完成时，雕像是带着光辉灿烂的彩色的。雕像约作于公元前19—前13年，现被收藏于罗马梵蒂冈博物馆内。
妇女肖像
罗马的肖像雕刻向以鲜明的性格刻画而著称。我们前面已欣赏了一尊《奥古斯都雕像》，但这一时期的肖像雕刻，最精彩的不是全身雕像，而是那些奴隶主贵族供放在住宅客厅里的半身像、胸像或头像等。
公元1世纪下半叶，罗马的肖像雕刻已取得了高度成就，尤其是在弗拉维尤斯执政时期。肖像的多样化和严格的写实主义手法，已臻于完美，几乎可以说是无懈可击。我们在《奥古斯都雕像》上还发现艺术家因袭希腊盛期的遗风，注重形象的理想化，即尽量予以美化。而在这一时期的肖像雕刻上，对于传统，似乎只喜欢希腊化时期的手法。这一尊雕像《妇女肖像》，从性格刻画上看，艺术手法比以前更趋凝炼了。
这尊妇女头像上的发式之所以被夸大，目的是想突出肖像人物的地位、身份和个性。这种雕塑语言，在罗马肖像雕刻中还属初见。显然，雕刻家对大理石表面的微妙变化经过认真仔细的研究，并注意到在明暗光影映衬下的视觉效果，因而用加强发卷上强烈的凹凸造型，来反衬柔润光洁的妇女脸部，使这个妇女的整体感更丰满、更秀美。
这是一名罗马的名门闺秀，她那高傲的神态在于显示她的高贵，她的表情矜持，内心冷漠，透过颜面和颈项的转折微姿，可以洞察这个上层贵族妇女内心世界的某种利己性。有的考古学家鉴定，这个贵妇形象可能是图拉真皇帝的侄女维莉娅·玛蒂迪亚。雕塑家在塑造之前，一定是煞费一番苦心的，以寻找恰当的构思。经过细微的琢磨，决定用夸张局部细节的手法，让发型与眼神彼此呼应，造成特殊的典型性格，这就是罗马肖像雕刻家的创造性收获，其精到之处，令观者赞叹。
在弗拉维尤斯时期的肖像雕刻，艺术家比较注重大理石上的明暗色彩，所以历史上有“弗拉维尤斯色彩主义”的说法。这尊妇女头像作于公元90—100年间，高约63厘米，现被收藏于罗马卡庇托利博物馆内。
和平祭坛浮雕
从奥古斯都大帝开始，罗马帝国建立起了较完整的统治秩序，内外战争减少，进入了近200年的相对稳定时期，历史上称为“罗马的和平”。为了纪念奥古斯都大帝为罗马带来的和平，元老院主持修建了《和平祭坛》，并用来供奉和平女神。这是一座用大理石建成的方形平台，长11米，宽10米，高4米，四周有墙垣围绕，东西有门洞，中央是祭坛。四周的墙垣上装饰着上下两层浮雕作品，上层是记事性人物群像，下层则是明快而优美的植物装饰图案。上层的浮雕中有表现祭坛动工修建时的场景，也有以奥古斯都为首的帝国统治者率领全体皇族人员庄严祭祀的行列，还有以罗马神话人物象征帝国和平昌盛的雕刻。浮雕从技法上都体现了罗马雕塑高度写实的艺术技巧，构图优美，层次鲜明。《和平祭坛》上的这些浮雕从整体上表现出平静的颂扬气氛和崇敬之情，让人仿佛能感觉到帝国风调雨顺、国泰民安的繁荣景象。
首先让我们了解一下祭坛本身的结构和浮雕的位置。整个建筑物由一个大的U形祭坛组成，祭坛建在高高的石级底座之上，四周围绕外墙。祭坛和外墙上都有浮雕。像所有的罗马浮雕一样，它们原来都涂着油彩。但是油彩早已消失，今天只留下白色的大理石。
外墙的内侧雕刻着由树叶、果子和花朵组成的花环，这些是传统的祭坛外墙图像，可能反映了当时真的使用了花环和牛头骨——它们是动物祭品的残留物，环绕着祭祀的地点连成一圈。
这幅当时的罗马建筑内的壁画可以帮助我们了解花环的色彩。花环之上是paterae，用来倒专门供奉神祗的葡萄酒的浅钵。
祭坛本身的上部装饰着小幅浮雕，里外都有，表现的是正在准备动物祭品的宗教行列。无疑，它描绘的就是祭坛这里年祭的场景。
外墙的外部有两组对应的浮雕。四堵墙的下部都装饰着鼠尾草和葡萄藤。
在两侧长墙的上部，是另一种图像，表现的是有奥古斯都集团所有重要成员参加的游行，包括皇帝本人和家庭成员。我们将在后面进一步分析有关的内容。
在两堵短墙上，也就是带门的两侧，在门上的部位我们可以看到4幅浮雕，每幅都是表现一个带有人物的场景。图像的题材不是当时的事件，东侧我们可以看到关于罗马早期历史的图像，西侧是两幅同神话有关的题材。西侧的浮雕一度被认为表现Romulus和Remus他们是孪生兄弟，Rumulus后来建立了罗马城。他们正被母狼哺乳。这个传说是早期罗马艺术中非常常见的题材，很容易辨认。这里也是早期罗马银币上的同样的画面。
这里我们看到的是另一幅大理石浮雕，表现双生子被牧羊人发现的整个场景，它可能也是建造和平祭坛的那段时间雕刻的。东侧外墙上的浮雕，就是同双生子相对应的一幅，表现的是罗马女神、罗马城的化身。女神的衣服独具特色，因此尽管有残缺，依然容易辨认。浮雕上的她一如皇帝尼禄时代这枚铜币上的形象。
另外两块保存较完好的浮雕上的题材通常被认为是：西侧是特洛伊英雄艾涅阿斯，正在向神供奉母猪作为祭品，东侧是地母神提路斯，这样，艾涅阿斯和罗慕路斯、勒摩斯相对，地母和罗马女神相对。
《和平祭坛浮雕》，大理石浮雕复制品，约创作于公元前13—前9年，现收藏于罗马博物馆。
与希腊时期的浮雕作品不同，罗马时代的浮雕作品不再以神话故事为主要的表现对象，他们的大部分纪念性浮雕作品都是直接表现帝王的丰功伟绩。这与罗马人求实的民族性格也有直接的关系。这些浮雕作品大多出现于祭坛、凯旋门和纪念柱等纪念性建筑物上，风格独树一帜。
文艺复兴时期的雕塑
“文艺复兴”这个词在1855年被法国历史学家Michelet首次提出，用以概括16世纪时对世界与人类的探索。自此以后历史学家们就对它的解释有很多不同意见。
大部分观点认为文艺复兴起源于15世纪的意大利，然后向整个欧洲扩展。这种观点认为，随着交流和探索的兴起，文艺复兴代表了欧洲从很长时期的一潭死水转变成了汹涌的江河，因此意大利的文艺复兴也常常被认为是现代的开端。
米开朗琪罗是以雕刻家的身份稳定了自己艺术家的地位。1499年创作的《哀悼基督》是他的成名之作，解剖学科的艺术实践和细致入微的匠心独运吻合了，甚至超出了人们可以理喻的鬼斧神工，被誉为15世纪最动人的人性拥抱神性的作品——展示了悲剧却掩饰了哀伤。这一时期的另一件作品是创作于1501年的《大卫》——神化的人形已经确立。米开朗琪罗其后的一些雕刻作品是几组陵墓雕像，其中较为著名的是《垂死的奴隶》、《被缚的奴隶》、《摩西》和《昼》、《夜》以及《晨》、《暮》等。
米开朗琪罗晚年未完成的4件雕刻作品实际上是在为自己设计墓地雕像，是一样的题材《哀悼基督》，形象既不明晰，手工也不细腻，或许是在走过了80多年的人生路程之后，在向世人诉说，不是人生的抱负无以施展，而是天国的奥秘藏而不露。米开朗琪罗雕刻作品的风格形成和创作走向与其绘画作品的风格形成和创作走向是一样的线索：英雄气概磨难而成壮心不已的烈士暮年。早期的作品是其内心世界的表白，随后的一些作品表现为风格样式的定型，后期的作品仍然是艺术家的心情归宿。当时的人们更多称道的是早中期作品中神人兼备明察的力度，后来的人们更注意其后期作品创作时悬而未决封闭的深度。美学的焦距不再是简单地对准艺术的创造物而是艺术家个人和作品之间、与现实之间纠缠不清的关系，现代艺术更是如此。
哀悼基督意大利米开朗琪罗
米开朗琪罗是在一个石匠的妻子哺育下长大的，所以后来米开朗琪罗风趣地对人说：“我是全靠奶娘的奶水，哀悼基督米开朗琪罗才拿得起雕刻刀和锤子来的。”后来，他随家迁居塞丁尼亚诺，13岁进佛罗伦萨画家基兰达约的工场学艺。不到两年，又转入圣马可修道院的美第奇家院当学徒。这里实际上是一个美术与文物的收藏所，他从中获得了丰富的知识。后来，在老师的指导下，他常去修道院解剖尸体，研究人体解剖学。在那里常听到一位主张宗教改革的僧侣的演讲。这人就是著名的宗教叛逆者——修道士萨伏纳罗拉。他在演说中对当时权贵的横征暴敛、鱼肉人民等罪恶行径进行无情的揭露，并且提出了改革时弊的要求。据说，当时听讲的人把圣马可修道院挤得水泄不通，后来不得不迁到另一所大教室去讲演。少年时代的米开朗琪罗对这位为了拯救人类命运而不怕宗教裁判的僧侣，产生了强烈的印象。
1493年，萨伏纳罗拉被教皇逮捕并处以火刑。这使米开朗琪罗的心灵受到很大震动。1498—1500年间，当他能接受订件独立创作时，第一件完成的成功之作，就是这尊组雕《哀悼基督》，他在基督的形象上添上了萨伏纳罗拉的影子。
