浪漫主义，指一种文学艺术的创作方法和思潮，产生于18世纪末19世纪初欧洲资产阶级革命。
浪漫主义与现实主义同为文学艺术史上的两大思潮。
作为创作方法和风格，浪漫主义通过表现理想来反映现实，强调主观性与主体性，不注重对现实的如实描写，侧重于抒发热情和表现理想，把情感和想象提到创作的首位，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法塑造形象。
1.更为内化和情绪化的探索精神。
浪漫主义这个词在1798年出现，当时西方人开始意识到人类的思想要发生某种转变，在19世纪上半叶达到高潮。
美国著名艺术史论学者詹森提到的这个转变与法国大革命、拿破仑战争和工业城市的发展等息息相关。
人们开始反思理性时代的意识追求，在反启蒙和反理性的层面找寻与内心的更大共鸣。
随之感性时代到来，浪漫主义艺术家不屑于古典主义的传承与复兴精神，普遍认为情感高于理性，崇尚天才和超人。
在浪漫主义艺术发展中，文学和哲学思潮，包括宗教与自然观念，扮演了极为重要的角色。
艺术创作思维和方法，深刻影响了世界19世纪后期和20世纪上半叶的艺术家创作。
浪漫主义者与古典主义、新古典主义者有着共同的探索精神，他们在人、世界以及人与世界的关系问题中不断制造谜团和解答谜团，使得浪漫主义出现了两大特质。
第一是感性。
卢梭在《忏悔录》中用文字承载了自己的多愁善感：只有我自己！我知道我内心的感受，我还知道别人。我这个人生来就和我见过的那些人不一样，我敢说我这个人就是和活在世界上的那些人不一样，就算我不比别人好，起码我跟别人不一样。
卢梭的话代表了浪漫主义艺术思维的一大特点，感性。
也正是在感性的刺激下，艺术家用重复甚至无逻辑的外化展示内在的情绪。
艺术家想要得到认同，通过作品、口述等等，然而，越是自由的内心越呈现出复杂的特质，以至于无法外化、无法表达，随着艺术家创作欲望和渴望认同度的增加，他们的作品会呈现出一种更为内化的指向性，在不断探索和深挖潜意识和内心状态的现实中，感性变得更难理解。
浪漫主义艺术家只是在进行自我内心的不断深入与拓延，对于创作而言，自然是逐渐内化的。
第二，情绪化。
这是基于感性之上的，经过思考之后相对理性的体验。
理性到感性的转变作为艺术发展的趋势，一定是从实在的现实走向艺术家内心的现实，但似乎艺术家并不快乐，悲观的情绪化成为浪漫主义的第二大特点，感性激发出的内心挖掘，让艺术家陷入了悲观的境地。
艺术家的视角似乎不再局限于光晕笼罩下的复兴与辉煌，而是转向了更为人性的内心和苦难的现实。
2.抽象与具象的判断力。
当艺术家视野从对人体和人文的关注转向自然和现实的时候，他们也就完成了人与世界关系的重新构建。
也就是说，古典主义时期，艺术家关注自我存在的人文意义，到了新古典主义时期以及之后的浪漫主义时期，艺术家开始关注自我生存的场域意义，从“小我”到“大我”的拓延，成为浪漫主义艺术思维对传统艺术最大的反转。
在这一过程中，对现实的描绘是具象的，抽象的情绪包含其中。抽象是内心外化的表现，具象是对现实之物的感受，两者都是实在。
卢梭认同的“自然”观念，是自然界、生存状态和人性三者的结合，这是“理想自然”的境界，也是集合抽象与具象的境界。
在二者互为作用的前提下，如何进行审美判断，进而进行艺术创作，康德首先将注意力转向了自然，体现为两方面内容。
首先是对自然的判断。
美好的艺术作品一定是创作而非制作出来的，他应当好像天然存在着一般，艺术家可以更加自由、无限的接近美好的快感。
“愉悦自身”是目的，“认知能力”是秩序，艺术家可以从自然界找寻最单纯的美的观照物。
其次是对图式的运用。
图式并非图画、图片等，它既不是有定义的概念，又不是某种具体事物，而是一种介于两者之间的想象物，是抽象与具象结合的感知体验。
这与康德提出的想象力息息相关，想象力归属图式构造的心理功能，是知性与感性、概念与直观相联系的心理机能。
康德的图式主张形式与内容的结合，形式先于内容存在。
就是说，艺术创作的主观性和思维、灵感、创意等心理活动在先，经过刺激创作之后的作品则是内容。形式是先天的，内容是后天的，两者结合才能达到类似天人合一的境界。
康德想要用图式把理xing、具象、经验等判断力与感性、体验、直观的对象相结合，呈现出抽象具象合一的作品。
浪漫主义的特质较之古典主义更加明显。
在自由、想象力包裹的情绪表达中，艺术家获得悲观或乐观的选择权，最终他们想要做的事情是获得一丝希望，对更加和平和宽容世界的希望。
回望1859年达尔文的《物种起源》出版，宗教与科学之战正式打响。
在这之后，知性、灵性、神性被彻底的人性科学取代，浪漫主义结束。
人类进入写实主义时代。
3.浪漫主义文学。
浪漫主义时代是一个充感情色彩的时代，其文学主要表现为两方面特征：对现实的情思与对浪漫的英雄的感怀。
首先，情思包括两个方面。
第一，自然。
自然在浪漫主义时期进行了较为彻底的改变，当然这是与古典主义的神性相比而言，文学从情感的抒发开始，流淌又自由的文字将康德或叔本华的情感融入其中，凸显作家对自然的情思。
第二，爱情。
爱是艺术永恒不变的主题，也是人类学六大母题之首。
其次，英雄具有浪漫的气质。
英雄这一符号在浪漫主义时期也被分为两大类，一类如拜伦自我陶醉，最终走向怀疑和消解英雄的道路；另一类如夏多布里昂、雪莱，将英雄与信仰紧密结合，体现具有某种传承意味的英雄理念。
孔德把人类历史分为宗教迷信、哲学与科学实证三个时期，并宣称人类正在享受最为解脱的第三个时期。
是真的享受还是更大的困境？
或许这也是浪漫主义悲剧特质的原因之一。
4.浪漫主义绘画。
戈雅是浪漫主义的先驱人物，詹森认为“这位艺术家的作品在许多方面浓缩了当时欧洲最新的心理状态和议题”。
戈雅的作品主要呈现出三个特征。
第一，幻象与现实的结合。
他用蝙蝠、猫以及怪兽等表达启蒙主义终止之后的世界，这种将幻象与理性结合的方法对之后现实主义、印象主义、表现主义以及超现实主义画家等都产生影响。
第二，减弱光晕效果与宏大意义。
在与《宫娥图》构思相似的《查利四世一家》中，他隐藏了镜子，并赋予这些皇家贵族淡漠、冷寂的心情，这与古典主义时期宏大的辉煌完全相反，似乎在刻意压制着辉煌，降低本雅明认为的经典艺术作品具有的光晕色彩。
第三，黑色绘画。
最为著名的作品为《无题（农神吞掉他的一个孩子）》，他想要讲述的并不是一个凶狠的神性化身，而是要用疯子和愚人一般的狂热躁动之气，用颜料堆叠和不再墨守成规的笔法，表达他对于自我认知情绪的看法。
浪漫主义者是痛苦的、矛盾的，他们深陷自我纠葛的怪圈中无法自拔。
浪漫主义者的作品以风景画和人物画为主，这是与之前古典主义对人和人文的关注点较为不同的视角，风景往往只是风景，而非人物的存在或者仅作为背景。
5.浪漫主义音乐。
浪漫主义音乐主要表现为两大特征。
第一，注重音乐的色彩性，在和声方面追求突破，尤其是晚期的浪漫主义注重变音和弦的运用，使音响色彩的细腻达到极致。
速度、节拍等都被用来传达情绪，忽快忽慢的节奏与情绪起伏甚至呼吸的频率等息息相关，乐器的种类也逐渐扩大到铜管、打击乐等范畴。
当音乐不再局限于音符的限定，转而走向深挖内心的情思时，音乐也随之变得更加生动有趣、活灵活现。
叔本华认为，音乐是最高级别的艺术形式，它允许我们直接体验既作为最终现实本质的，又永远无法满足的意志。
第二，注重各种艺术门类之间的交融，尤其与文学之间形成了较为明确的联系。
很多音乐家用文学标题定义作品，凸显诗意与文字化的节奏感。
浪漫主义时期音乐的特征主要表现为普遍具有高度文学化的色彩。
19世纪早期音乐美学发展普遍特点必然是站在文学的出发点之上。
歌曲在浪漫主义时期得到较快的发展，尤其是法国出现诸如迈耶贝尔、奥芬巴赫、比才等歌剧作曲家。
6.浪漫主义建筑与雕塑。
浪漫主义建筑深受文学艺术的浪漫主义思潮影响，提倡天xing解放和个性自由，主要有两个阶段的发展。
首先，18世纪60年代至19世纪30年代也叫新浪漫主义时期。
建筑多模仿中世纪的哥特风格，如沃波尔、本特利和邱特的伦顿特维克拉姆浆果山别墅，被人看作一群古董癖的炫耀之作。
文艺复兴以来的古典主义对中世纪的打压走向极致，浪漫主义时期却一反多年的规矩，开始推崇中世纪哥特艺术。
这足见艺术发展的不确定性和创作思维的多样性。
其次，19世纪30年代至70年代，是浪漫主义建筑发展的第二个阶段。
这是一个真正将前期对哥特的模仿上升为“哥特复兴”的阶段。
詹森指出，与绘画相比，雕塑对于19世纪初的艺术家来说，是一个受到严格限制的艺术手段。
与历史相关的大块圆雕题材多为人体，这与古典主义的初衷并无两样，因此在浪漫主义初期，卡诺瓦等人的雕塑仍带有新古典主义的意味。
从吕德开始，雕塑开始逐渐与古典主义告别。
他的作品多依托建筑浮雕，在浪漫主义的思维中凸显雕塑的装饰性、纪念性和完整性。
这是民族热情与脱离固定模式的结合，充满活力的造型与作为暗喻和象征的羽毛都成为后人学习的典范。
当达尔文进化论出现，人们逐渐相信进步、科学、进化等之后，感性的浪漫主义结束，写实主义开始。
从这个角度来看，艺术的发展即是流转、循环和上升。
古希腊对人体科学的迷恋，在浪漫主义时期被内心的情思表达消解，又将在接下来的时代中重现。
但这一次，将从所谓的科学走向真切的现实。
似乎从浪漫主义之后，艺术才真正开始源于生活。
